Manuel Velázquez
Una de las preguntas hipotéticas planteadas por Marcel Duchamp, al incluir un urinario dentro de un museo, fue¿qué valor tiene la técnica y la habilidad manual como parámetros para la evaluación de las obras de arte? Ante esto, para muchos, hoy, la respuesta parece confusa. El gesto de Duchamp contradice una historia construida en occidente acerca de los parámetros del arte y su acción validadora sobre lo que le confiere a un objeto su estatus de obra de arte.
La pregunta “¿esto es arte?”, es común entre un público que se escandaliza al ver obras que desafían la tradición. “¿Cuál es el valor artístico de una lata de sardinas o un plátano pegado con cinta plateada en la pared?”, se preguntan. Los escándalos son frecuentes en el mundo del arte contemporáneo, donde se han exhibido obras como tiburones envasados, cajas de zapatos vacías y cráneos con brillantes. Sin embargo, estas obras también han generado un descubrimiento y un cuestionamiento sobre la naturaleza del arte y cómo evaluarlo.
La búsqueda de libertad respecto a los parámetros tradicionales es una de las motivaciones clave del arte contemporáneo. Ahora, el arte no necesita ajustarse a definiciones preestablecidas; puede ser lo que el artista desee. Aunque esta apertura a nuevas posibilidades creativas puede ser muy valorada, también genera un vacío en la evaluación de lo que constituye arte. Como sugirió Lyotard, “la narrativa maestra ha sido reemplazada por múltiples narrativas que pueden solaparse, pero no necesariamente coincidir”. Esto se debe en parte a que los artistas pop y minimalistas desmantelaron la narrativa tradicional, rechazaron la definición del arte como objeto sagrado y abrieron la puerta a otras posibilidades.
Hoy en día, ya no es necesario recurrir a la estética occidental tradicional para evaluar la calidad técnica de una obra. Existe una diferencia significativa en lo que se valora como arte en diferentes contextos culturales, circuitos artísticos y mercados. Muchos artistas actuales combinan diversas disciplinas, desde el diseño digital hasta la escultura en piedra, pasando por la gráfica tradicional, la cerámica y la ilustración digital. Su formación conceptual y sus habilidades manuales y creativas les permiten fusionar ideas, procesos y materiales de manera innovadora, desde lo industrial hasta lo convencional.
No vale la pena pedir reglas al arte contemporáneo, cuando este arte se ha fraguado en la crítica de las nociones que acartonaron el arte. Más vale regresar a la pregunta si “cualquier cosa puede ser arte” o si “todo vale en el arte”. Es este cuestionamiento lo que posibilita abrir la existencia del arte a lo múltiple.
El artista no es ajeno a las expresiones, técnicas y recursos de su tiempo, es producto de ellos, es el utópico conciliador del pasado y el presente. Es la “autoridad sensibilizada”, está para poner soluciones inteligentes y para propiciar el diálogo entre lo sensible y la razón. En ese sentido, es lo mismo un vídeo, una acción o una instalación que una pintura hiperrealista. Lo que posibilita su evaluación son los contextos, lo que se valora como arte en cada lugar, que nunca será lo mismo que en otro.
En mi caso lo importante es el proceso, pero cuando va acompañado de una idea que le da soporte. No podría separar el proceso de la intención. Me importa el hecho mismo de la creación. Pero al mismo tiempo, pienso que la obra tiene que significar algo a través de la experiencia que representa para el espectador contemplarla o interactuar con ella. Y esto se puede conseguir de infinitas maneras, incluso fuera del territorio de la estética tradicional; tiene que ver con la capacidad de la obra para exigir la reflexión del espectador. Se podría evaluar una obra en función del esfuerzo que exige al espectador. Una imagen sin contenido no lleva a nada, y una cuya contemplación resulte reflexiva necesitará ser completada y reconstruida durante días. Naturalmente, importa también qué nos dice después esa reconstrucción, pero como suele suceder: si la forma es adecuada, el mensaje también lo es.
