Entre emociones y una identidad bien definida, el cantante convierte su álbum en una carta de presentación
CARLOS RUIZ/PORTAVOZ
Hay artistas que debutan intentando encajar en la conversación del momento; Kenji decidió construir la suya desde otro lugar, pues “Rayo” no se siente como un experimento armado para seguir tendencias, sino como el resultado de alguien que entendió que la identidad también se trabaja, se produce y se defiende, por consiguiente, en cada tema hay una intención clara de mostrar quién es en realidad y del por qué la música es el centro de su vida.
La fuerza del álbum no recae en la mezcla de sonidos, recae en la manera en que logra convertir experiencias personales en canciones cercanas, por eso, Kenji escribe desde la emoción, pero evita el dramatismo fácil, ya que, sus letras hablan de pérdidas, conexiones, deseos y recuerdos con una naturalidad que termina siendo uno de los mayores aciertos del proyecto.
Detrás de Rayo también hay una disciplina creativa que pocas veces se nota tan marcada en un primer álbum; pero Kenji no solo escribió todos los temas inéditos; también produjo el disco completo, dejando claro que su visión artística no depende de terceros para tomar forma y esa capacidad de cuidar cada detalle termina dándole cohesión a un trabajo que se percibe honesto de principio a fin.
La colaboración con Deirus Deszle aportó amplitud sonora, pero el álbum nunca pierde el sentido humano que lo sostiene; incluso cuando aparecen estructuras más cercanas al trap o al R&B, el proyecto mantiene una sensibilidad profundamente mexicana que conecta desde la memoria y no desde la fórmula y ahí es donde Kenji encuentra la autenticidad.
Más que presentarse como una promesa, Kenji aparece con la seguridad tranquila de quien lleva tiempo preparando el momento correcto y “Rayo” funciona como una carta de presentación, sí, pero también como una declaración de principios sobre el artista creativo, cercano, ambicioso y consciente que quiere ser, además de que la música puede evolucionar sin perder raíz ni emoción.
El álbum ya está disponible en plataformas, ¿cómo te sientes en este momento? “Fíjate que estoy muy emocionado, la verdad ha sido un proceso bien bonito, muy largo también, muy trabajado. Son 12 canciones en donde hay temas inéditos y también covers, y ahorita me siento muy feliz de finalmente poderlo compartir, porque uno lo vive desde dentro, desde la creación, y cuando ya lo sueltas al mundo es cuando realmente cobra sentido todo el esfuerzo, todo el tiempo, todas las decisiones que se fueron tomando para llegar a este resultado”, explicó.
¿Cómo fue ver ese proyecto tomando forma hasta convertirse en un álbum completo? ”Fue algo muy orgánico, porque en gran parte fue canción por canción, no fue algo que nació completamente armado desde el inicio, pero sí siempre hubo una línea muy clara, que era este concepto del rayo, de la energía, de la fuerza, de ser imparable. Entonces, aunque cada canción tenía su propia historia, poco a poco fuimos entendiendo cómo todas podían convivir dentro del mismo universo”, recordó.
¿Qué fue lo más difícil durante la construcción del álbum? “Definitivamente encontrar el sonido, porque no es sencillo fusionar dos mundos que vienen de lugares tan distintos como el regional mexicano y el urbano. Son géneros que tienen estructuras, emociones y formas de producción muy diferentes, entonces el reto fue encontrar un punto medio donde ninguno perdiera su esencia, donde ambos pudieran convivir de forma natural, y eso tomó varios meses de prueba, de error, de volver a empezar hasta que algo realmente nos convenciera”, narró.
Esa mezcla de géneros, ¿de dónde nace en ti? “Viene totalmente de mi historia, yo soy de Los Mochis, Sinaloa, y crecí con la música regional en mi casa, con mis papás escuchando banda, música norteña, rancheras, corridos, todo eso estuvo siempre presente en mi vida, pero al mismo tiempo, conforme fui creciendo, empecé a escuchar R&B, trap, hip hop, urbano, y eso también me fue formando musicalmente, entonces no es algo que yo decidí mezclar de manera forzada, es algo que ya estaba dentro de mí desde hace muchos años”, aseguró.
También trabajaste con productores de gran trayectoria internacional, ¿qué te dejó esa experiencia? “Me dejó muchísimas cosas, sobre todo entender que la música es un lenguaje que no necesita traducción, ya que, trabajar con productores que han estado con artistas como Drake, Kanye West o Lil Wayne te abre muchísimo la cabeza, porque te das cuenta de cómo piensan, cómo construyen un sonido, cómo respetan una idea, pero más allá de los nombres, lo importante fue entender que todos venimos de lugares distintos y cuando nos sentamos a crear, lo único que importa es la música”, detalló.
¿Qué diferencias encontraste entre el mundo urbano y el regional en esa experiencia? “En el urbano veo mucha colaboración, mucha apertura entre artistas, mucha idea de construir juntos. En el regional también existe eso, pero desde otro lugar, más cercano, más familiar incluso. Y algo que me marcó es que al final ambos géneros tienen algo en común, que es ese sentido de comunidad, de apoyo entre artistas que comparten raíces o estilos de vida parecidos”, destacó.
Hoy es común ver fusiones entre géneros, ¿cómo lo interpretas tú? “Creo que es algo generacional. Antes era más difícil ver este tipo de mezclas, los géneros estaban más separados, más cerrados. Hoy todo es más flexible, más abierto, y eso permite que los artistas exploren sin miedo. También hace que el público se acostumbre a escuchar cosas distintas dentro de un mismo proyecto”, afirmó.
En ese contexto, ¿qué tanto influye la estrategia en tu música? “Yo trato de que no sea estrategia como tal, porque si lo haces desde ahí, la música se siente forzada. Claro que hay una parte de análisis, de entender lo que está pasando afuera, pero para mí lo más importante es que sea auténtico. Prefiero que una canción nazca de algo real antes que de una tendencia”, aseveró.
En tu proceso creativo, ¿qué pesa más, lo que quieres expresar o cómo lo va a recibir la gente? “Yo creo que las dos cosas tienen mucho peso, no puedo separar una de la otra, siempre respeto lo que quiero decir como artista, lo que representa Kenji, lo que representa Rayo, pero también soy consciente de lo que pasa afuera, de cómo la gente vive las canciones, de cómo las interpreta, entonces trato de mantener ese equilibrio constantemente”, aceptó.
El concepto de “Rayo” aparece como algo muy central, ¿de dónde viene? “Es algo que ya venía conmigo desde hace tiempo, no es algo que nació solamente para el álbum. Lo usaba mucho con mis amigos, en redes sociales, incluso fue mi primer tatuaje. Para mí el rayo representa energía, fuerza, movimiento, algo que no se detiene, algo que siempre sigue hacia adelante sin importar lo que esté pasando alrededor”, comentó.
¿Cómo se traduce eso en tu vida diaria? “Es una forma de vivir, no solo de pensar la música. Es levantarte y seguir, aunque haya dudas, aunque haya momentos difíciles; es entender que no puedes detenerte por miedo o por presión externa; es una manera de recordarme todos los días que tengo que seguir avanzando sin perder esa energía”, enfatizó.
Dentro del álbum hay una canción llamada “Gallo”, ¿qué significa para ti? “Es una canción muy especial porque habla de la vida real, de lo que no siempre es bonito, de los momentos difíciles, de las caídas. También tiene mucho de mi historia personal, de mi familia, de la cultura con la que crecí en Sinaloa, donde la figura del gallo tiene un significado muy fuerte, de carácter, de resistencia”, expresó.
Esa canción tiene un componente muy cultural, ¿lo pensaste así desde el inicio? “No necesariamente como concepto frío, pero sí venía de algo que yo ya traía dentro; mi abuelo tenía gallos, mi papá también creció en ese entorno, entonces es algo que forma parte de mi historia, no lo pensé como ‘voy a hacer una canción cultural’, simplemente salió desde lo que soy”, mencionó.
Otra canción que mencionas es “Soy cabrón”, ¿qué significa ese concepto en tu visión? “Para mí no tiene nada que ver con arrogancia o con ego, es más bien una forma de reconocer a la gente que ha salido adelante, que ha enfrentado adversidades y aun así sigue de pie. Puede ser cualquier persona, un trabajador, un estudiante, un artista, alguien que no se dejó vencer por las circunstancias”, indicó.
¿Qué buscas provocar con tu música en general? “Yo busco que la música conecte emocionalmente; si alguien la está pasando mal, que encuentre un espacio donde pueda sentirse acompañado, donde pueda motivarse, donde pueda salir adelante y si alguien está bien, que la disfrute, pero siempre con un mensaje que deje algo positivo”, confirmó.
Cuando hablas de “ser imparable”, ¿qué significa realmente para ti? “Para mí es confiar en ti mismo, incluso cuando nadie más lo hace; es entender que no necesitas la aprobación de los demás para avanza; es algo que he aprendido con el tiempo, porque muchas veces los sueños no dependen de lo que otros crean de ti, sino de lo que tú crees de ti mismo”, reiteró.
Después de terminar Rayo, ¿qué parte de ti sentiste que dejaste atrás? “Dejo atrás muchas cosas, principalmente miedos, prejuicios y también el ego, aprendí a escuchar más, a dejarme guiar, a entender que no siempre tienes que tener el control absoluto de todo y a veces el trabajo en equipo te lleva a lugares mucho mejores”, recalcó.
¿Fue complicado soltar ese control? “Sí, bastante, porque cuando tú produces tu música, sientes que todo tiene que salir como tú lo imaginas. Pero con el tiempo entendí que otras personas también aportan ideas valiosas, y que abrirte a eso no te quita identidad, al contrario, la fortalece”, reconoció.
¿Qué te deja este proyecto a nivel personal? “Me deja una etapa de crecimiento muy fuerte, tanto personal como artístico. Me deja claridad de hacia dónde quiero ir, de lo que quiero construir y de cómo quiero hacerlo, también me deja una forma más madura de ver la música”, señaló.
“Si tuvieras que resumir este momento en una sola idea, ¿cuál sería? “Ser imparable. No como una palabra bonita, sino como una forma de vivir, de trabajar y de seguir adelante todos los días”, concluyó.
